« Interpréter, c’est jouer avec les images, comme on dit jouer avec les mots. Mais jouer avec les mots, comme dit Godard, c’est encore du langage. Jouer avec les images, c’est encore en créer afin peut-être d’aider à mieux les comprendre. »

Où en est la critique de cinéma ? Évaluer son statut en milieu universitaire fournit-il un élément de réponse ? Défendre la critique de création, est-ce encore un vœu pieu face à l’objectivité scientifique et journalistique ? Articulant sa réflexion autour de l’apport intellectuel de grandes figures de la critique de cinéma (Serge Daney, Jean Douchet, etc.) et d’art en général (Baudelaire, Diderot, etc.), David Vasse propose de faire le point sur le rôle que peut encore tenir la critique dans le monde des idées à l’époque des médias connectés, des réseaux sociaux et du prêt-à-penser consumériste.

Jacques Demy confesse s’être servi de son expérience américaine pour Peau d’âne ; Marguerite Duras s’embarque dans une conversation épique ; la monteuse Agnès Guillemot ou le compositeur Michel Legrand racontent leur collaboration avec Jean-Luc Godard ; Bulle Ogier confie sa terreur de la drogue quand Wenders s’accorde une séance de psychanalyse sauvage dans le sillage de Paris, Texas…

Ce recueil de 29 entretiens, menés par Noël Simsolo entre 1969 et 1985, donne la parole à des cinéastes français (Claude Chabrol, François Truffaut, Éric Rohmer,  Jacques Rivette…), allemands (Werner Herzog, R. W. Fassbinder), japonais (Nagisa ?shima, Yoshishige Yoshida), des comédiens, des collaborateurs artistiques. Toutes ces conversations témoignent d’une même passion : celle d’œuvrer pour le cinéma, qu’importent les conditions économiques, les mœurs, l’époque.

Après la disparition de son père, Camille Morelli découvre dans ses papiers un « manuscrit » à deux voix. Fabrice Morelli y dépeint la liaison qu’il entretient avec Laura, l’une de ses étudiantes, disparue sans laisser de trace. Sa narration est entrecoupée par les interventions plus ou moins délirantes d’un réalisateur, Vincent Niével, auteur d’un film dans lequel Laura joue un rôle…

Par l’entremise de ce roman triangulaire et fiévreux, Éric Rondepierre propose une réflexion sur les liens entre cinéma et théâtre et la part de jeu qui conditionne les relations humaines. Les personnages en sont les
premiers témoins, dévorés par des conversations philosophiques aussi bien que par une sexualité frénétique. Tour à tour poétique, érotique, ce roman est une expérience littéraire d’une rare intensité.

C’est sans doute la scène la plus célèbre de toute l’histoire du cinéma, la fameuse « scène de la douche » de Psychose ; son influence est telle que ne cessent de se multiplier les hommages, de Brian De Palma à Francis Ford Coppola, de Gus Van Sant à David Fincher, des séries Bates Motel aux œuvres d’artistes contemporains tels Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Cindy Sherman.

Le phénomène est décortiqué, sous toutes ses coutures, par Sébastien Rongier dans Alma a adoré, où il met en lumière l’importance du film d’Alfred Hitchcock, en faisant appel aux réflexions de penseurs tels qu’Emmanuel Kant ou Roland Barthes, tout est en démontrant la primauté de ce véritable emblème de la Pop Culture, un pur « effet cinéma ». Par ailleurs, ce texte, traversant les prolongements littéraires et cinématographiques du film, développe une vision très personnelle de cette œuvre, l’auteur étant l’une des premières victimes de cet « Effet Psycho ».

Constance a disparu. Est-elle partie en week-end ? S’est-elle réfugiée dans son appartement à l’autre bout de la ville suite à une dispute ? L’a-t-elle quitté pour un autre homme ?

Le narrateur part sur ses traces, à la gare, au café, chez elle. Son périple, dans la ville enneigée, le conduit à croiser un compagnon de travail de Constance, à apercevoir son manteau, porté par une autre, puis à le replonger dans son passé. Constance aime le cinéma et le narrateur joue avec les fantômes de celluloïd de sa propre obsession cinématographique : Vertigo. Alors qu’une ville sans nom prend les allures labyrinthiques de San Francisco,

Sur ses traces dessine un fulgurant hommage au chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock, à travers une vertigineuse mise en abyme qui nous parle de phantasmes, de passions et de cinéma.

George Franju a marqué l’histoire du cinéma français, et à plusieurs titres. Fondateur avec Henri Langlois de La Cinémathèque française, il fut aussi réalisateur de documentaires légendaires (Le Sang des bêtes, Hôtel des Invalides) et l’un des pionniers du cinéma d’épouvante en France (avec notamment Les yeux sans visage) dont Almodóvar signa un remake amoureux (La Piel que habito), ou le mythique Judex, en hommage à Feuillade. Si l’œuvre de ce cinéaste a déjà fait l’objet de plusieurs analyses, peu se sont intéressés à l’homme en lui-même. Qui connaît la relation privilégiée qu’entretenaient Franju et Fritz Lang ? Sait-on que Walt Disney lui vouait une admiration singulière ? Ou encore que Truffaut utilisa des extraits d’un de ses courts métrages pour Le Dernier Métro ?

Ainsi, le Dictionnaire Franju, écrit par le journaliste Frantz Vaillant, se propose de mêler archives radiophoniques et télévisuelles, entretiens inédits, anecdotes fascinantes, souvent savoureuses, ainsi que de nombreux documents de travail puisés dans les archives personnelles du réalisateur. Cet ouvrage, par le biais de 95 entrées, offre un panorama complet sur cette personnalité atypique du cinéma français.

Dans la Rome des années 1950, la jeune Sophia est élevée par sa mère, strictement, et dans la promesse d’un grand destin. Après-guerre, l’argent est rare, et la future actrice découvre, dans les sombres recoins de Cinecittà, les heures moins glorieuses  mais plus secrètes du cinéma italien. Berlin, les années 1920, un film éveille l’intérêt général : Le Cabinet du Dr Caligari. Le jeune Fritz Lang est ambitieux, il cherche sa voie, passant des lieux de débauche aux conquêtes amoureuses. Il a, pour seul confident, un mystérieux ami.

C’est en toute liberté que Dominique Forma nous offre sa vision très personnelle de ces deux icônes du cinéma. Avec cet ensemble de nouvelles, ponctué par un hommage à Andréa Ferréol, l’auteur détourne la réalité, et nous la rend déformée et teintée d’un érotisme noir.

Dans Boorman, un visionnaire en son temps, Michel Ciment complète son analyse du cinéma de John Boorman et enrichit la première édition, parue en 1987, de textes portant sur les huit longs métrages tournés par le cinéaste depuis La Forêt d’émeraude et d’autant d’entretiens. Michel Ciment retrace ainsi la totalité de la filmographie de John Boorman, depuis Sauve qui peut (1965) à Queen and Country (2014) et le parcours fructueux du réalisateur anglais s’avère être une aventure semée d’embûches. De films en films, le regard aiguisé du théoricien côtoie celui, audacieux, du cinéaste, dans des entretiens tous plus passionnants les uns que les autres. Boorman, un visionnaire en son temps est un guide critique sur l’envers du décor, à travers une filmographie dense et hétéroclite qui démontre parfaitement la cohérence de cette œuvre et du regard qu’il porte sur le monde. C’est aussi la clef indispensable pour découvrir ce qui lie l’épopée arthurienne d’Excalibur, l’histoire du gangster anarchiste irlandais Martin Cahill dans Le Général et l’expédition initiatique dans les Appalaches de Délivrance.

Le cinéma, à travers des films très divers (Le Sang des bêtes, Massacre à la tronçonneuse, Les Oiseaux ou, plus récemment, Gorge Cœur Ventre de Maud Alpi), a su témoigner de la manière dont l’humanité traite les animaux. Les images que nous offre le 7^ème art sont révélatrices de notre humanité, de nos modes de consommation comme de notre rapport à la nature.  Le texte de Jonathan Palumbo éclaire, d’une réflexion salutaire, ces enjeux, tout en analysant la représentation artistique de la mort animale au cinéma.

Avec pour fil rouge La Légende de Saint Julien L’Hospitalier de Flaubert, cet essai dresse un constat lucide qui n’interdit nullement l’espoir.

Un roman drôle et mélancolique, prétexte à un portrait amoureux du monde du livre.

Il est impossible de résumer un Chomarat, et celui-ci en particulier.
Disons simplement que ce roman narre les aventures d’un livre qui, dès sa naissance, est promis à un destin a priori enviable : celui d’être un petit chef-d’œuvre de littérature.

Mais est-ce suffisant pour exister en 2018 ? Entre crises existentielles et errances, cet ouvrage va tenter de trouver sa place dans un monde en perte de sens.

L’auteur de L’Odyssée du Jazz rend hommage au jazz et au cinéma dans Écran noir.

Un romancier est engagé par deux producteurs qui souhaitent monter un projet cinématographique autour d’une chanteuse de jazz légendaire : Loretta McCullers.

Face aux exigences et aux comportements chaotiques des commanditaires, l’écriture du scénario s’avère rapidement plus difficile que prévu, loin des illusions candides de l’auteur.

Ce récit, teinté de notes bleues et d’images en noir et blanc, nous immerge sans filtre dans les relations parfois complexes que le monde du cinéma entretient avec la création artistique. C’est aussi l’occasion pour Noël Balen de rendre hommage au film de jazz.

Artiste infatigable, qui tourne encore à 90 ans, proche d’Andy Warhol (il l’a notamment assisté sur le tournage d’Empire), Jonas Mekas fut aussi l’un des plus grands critiques cinématographiques américains. De 1959 à 1971, il officie dans plusieurs revues new-yorkaises et y déploie une écriture hautement poétique et amoureuse, dont la seule valeur littéraire justifierait amplement cette édition. Farouchement libertaire, il appelle à la libération du cinéma, déclame sa passion pour « l’art qui n’a d’autre but que sa propre beauté : il est tout simplement comme les arbres sont. »

Il contribue amplement, par ses commentaires, à donner au cinéma expérimental, qu’il préfère appeler d’avant-garde, ses lettres de noblesse. Son œuvre critique est adulée par Jim Jarmusch, Peter Bogdanovich ou John Waters.

Paris, la Cinémathèque. Camille, une actrice en devenir, rencontre Paul qui se rêve réalisateur. Ensemble, ils tentent de tourner une version ultra-moderne de L’Odyssée.

Brune Platine est le portrait d’un monde, à l’ère du numérique, où la quête de l’autre se conjugue avec les désirs d’écran. Mais ce roman relève aussi d’un voyage mental étonnant : c’est une escapade dans un musée vivant, vaste chambre de résonances animée d’œuvres éternelles.

Les mémoires de John Boorman, cinéaste légendaire, lauréat de deux prix de la mise en scène à Cannes (Leo the Last, Le Général) et d’autres films culte (Delivrance, Le Point de non retour, Excalibur, Duel dans le Pacifique…) ou encore d’un diptyque autobiographique salué par la critique (Hope and Glory, Queen and Country).
Boorman revient sur sa carrière dans un récit drôle et passionnant, riche d’anecdotes de tournage, de ses diverses rencontres ou d’hommages à d’autres cinéastes (D.W. Griffith ou David Lean).

C’est aussi l’occasion pour cet amoureux de la nature de nous livrer de multiples réflexions sur l’art cinématographique et les coulisses de l’industrie hollywoodienne.

Le dernier film de Daniel Shaw est en compétition à Cannes. Pressentant un échec au box-office, Daniel se hâte d’écrire un nouveau scénario et d’en trouver les
financements.

Pour son premier roman, le cinéaste légendaire John Boorman (Delivrance, Excalibur) dresse un portrait sans concession de l’industrie cinématographique contemporaine, avec toute la lucidité et l’ironie permises par sa position de vieux Sphinx. Cette satire, drôle et mordante, est aussi la peinture d’un monde gangrené par l’avidité, l’égocentrisme et l’inanité.

Un passionné de cinéma décide de dresser la liste des dix meilleurs films de tous les temps. D’abord persuadé qu’ils ne peuvent être que de Ozu, il se souvient de l’existence de Mario Bava…

Écrit dans un style épuré qui semble né d’une longue contemplation des chefs-d’œuvre de l’auteur de Voyage à Tokyo, ce « roman » est une déclaration d’amour au cinéma d’auteur et au cinéma tout court.